The Final Cut: 20th Century Women

Por: Ana Sofía de la Cámara  |@anasofiadela

El vernos a nosotras mismas a través del “male gaze” (o la mirada masculina) no es ninguna novedad. Sin embargo, cuando se hace a través de los ojos de un observador empático, puede ser illuminante. Y sino a nosotras, lo puede ser a los hombres y niños que ven a través de su mirada. 20th Century Women se trata de un joven adolescente de Santa Bárbara, California en 1979. Su historia toma lugar en el tiempo frágil entre dos épocas, puedo describir la película con tan solo una palabra, liminalidad.

Crítica de 20th Century Women de Mike Mills - Estrenos, Cine, Peliculas y  mucho más

Mike Mills es el guionista y director de la película. Su guion es particularmente fuerte ya que permite que sus personajes se revelen en todo lo que dicen. Mills captura momentos íntimos y aparentemente intrascendentes entre ellos para mostrarnos su relación en vez de contarnos sobre ella. Sus personajes son valientes, complejos, chistosos, inconsistentes y vulnerables, como son las personas en la vida real. Sin embargo, los personajes de Mills nunca caen en los arquetipos “quirky” de muchas películas indie.

Las actuaciones en 20th Century Women son naturales. Los actores personifican perfectamente sus roles. Estas son personas que me gustaría conocer y que al final de la película sentirás como si realmente los hubieras conocido. 20th Century Women realmente se trata de una familia temporal. De las personas que toman parte en tu formación, pero que no necesariamente se quedan mucho tiempo en nuestras vidas. Annette Bening interpreta a Dorothea Fields, una madre de 55 años del adolescente Jamie, que es interpretado por Lucas Jade Zumann. Dorothea teme que, como madre soltera, no sea suficiente para él. Por lo tanto, se encarga de reclutar a dos mujeres jóvenes para guiarlo durante esta fase de transición. Ellas son una artista de veintitantos años y la huésped de Dorothea, Abbie, interpretada por Greta Gerwig, y la amiga no tan platónica de Jamie, Julie, interpretada por Ellen Fanning. Billy Crudup también protagoniza e interpreta al otro huésped William, un hippie que es un ideal moderno de la masculinidad. Todos toman a Jamie bajo su ala colectiva, con diversos grados de éxito. Aunque ellos también están en medio de su propia transición.

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La cinematografía de Sean Porter captura esta lejana y frágil fase y querrás enmarcar muchas de las tomas. El sutilmente hace zoom in y zoom out de personajes en medio de una escena. Y así logra que diferentes escenas, actúen como contrastes narrativos entre sí. La película se siente como un recuerdo. Es agridulce, nos trae alegría y un pellizco al corazón, ya que sabemos que este rito de iniciación terminará tan rápido como comenzó. Alice Sanna es la editora de la película y logra recrear el sentimiento de un recuerdo, esto es particularmente evidente en los montajes que son realmente fundamentales.

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La banda sonora aterriza la película en la realidad, mientras la partitura la eleva. En esencia, esta es una historia personal, pero también está arraigada a su tiempo y espacio. Roger Neil compone. Mike Mills y él han trabajado juntos antes, como en Beginners (2010). Ambos son californianos de la misma edad, pero la partitura no es necesariamente nostálgica. Existe cierta tensión entre la banda sonora y la partitura, como en la escena en la que Dorothea está sola en un club punk. Está rodeada de punks en la fiesta, su música se deja de escuchar y es reemplazada con una música soñadora de sintetizador. Momentos como este, anécdotas, se entrelazan para crear ese dolor en el corazón, una dulce melancolía. En el cual puedes flotar, al igual que Jamie en su patineta.

Aprecio profundamente cómo las mujeres de esta película (aunque todas sean blancas y privilegiadas) no son monolíticas. Tienen su propia perspectiva. ¿Qué locura? Personajes imperfectos femeninos que estén completamente formadas. ¡Qué concepto! Hay fricción cuando los ideales de las mujeres no coinciden, seguido por una discusión. Esta tensión entre generaciones se siente profundamente. Dorothea es una heroína feminista en todo aspecto. Al crecer en “La depresión”, soñaba con ser piloto. Más tarde se convirtió en una mujer profesional en los años 50 que asistió a la escuela de aviación, pero la guerra terminó antes de que tuviera tiempo de realizar su sueño. Sin embargo, no puede evitar sentirse culpable por su independencia, por lo que significa para su hijo. La vemos rechazar las ideas más modernas de Abbie, no por su propio bien sino por el de su hijo; aunque él los acepta plenamente. Dorothea es una madre cariñosa pero también es un misterio para su hijo. Nunca está dispuesta a volverse vulnerable ante sus ojos. Excepto por el momento exacto de liminalidad; lo sabrás cuando lo veas. La literatura feminista explorada, como La política del orgasmo de Susan Lydon, puede parecer normal o ampliamente aceptable en ciertos círculos de hoy. Así que es fácil sentirse cómoda con la idea de lo lejos que hemos llegado, pero dentro del contexto de nuestro clima político actual es evidente que no hemos llegado tan lejos después de todo.

20th Century Women - 2016 | 20th century women, Film aesthetic, Film  inspiration

Hay una escena en la que los personajes ven el infame discurso “la crisis de confianza” del presidente Jimmy Carter en 1979. La última oportunidad para que Estados Unidos dé un fuerte giro antes de que la crisis energética se convierta en lo que hoy sabemos que es, una oportunidad para alejarse del miedo, la codicia y esa falsa sensación de libertad que atrae a muchos. Una oportunidad para desafiar los intereses especiales del mundo de la política y nuestro consumismo sin rumbo. Recomiendo vean esta película de 2016 tanto por su mérito artístico, pero también para aprender de la promesa del no tan diferente pero lejano 1979. Quién sabe, tal vez en 2020 finalmente podamos dar el giro correcto a un mejor futuro.

Ana Sofía de la Cámara
Directora y guionista. Estudió Ciencias Políticas en Londres dónde trabajo en casas productoras como Middle Child Productions y Modern Films, también trabajo en el British Film Institute. Ha colaborado en festivales de cine como London Film Festival y GIFF. Actualmente está colaborando con 16 Days 16 Films, una convocatoria internacional de cortometrajes dirigidos por mujeres cineastas.

Transcripción al inglés:

To see ourselves through the male gaze is anything but new. However, when done so through the eyes of an empathetic outsider it can be enlightening. If not for us, then to the men and boys who view his gaze. 20th Century Women follows a young man´s coming of age in 1979, Santa Barbara, California. Set in a critical time in between two eras, I can describe the film with one word, liminality.

Mike Mills is the film´s writer and director. His writing is particularly strong as he allows his characters to reveal themselves in all they say. He captures intimate and seemingly inconsequential moments between them that show us their relationship rather than to tell us about it. The characters are brave, complex, funny, inconsistent, and vulnerable, just like real people are. Yet Mills´s characters never fall into cookie-cutter “quirky” indie film archetypes. The performances are as natural as can be. The actors completely inhabit their roles. These are people I wish I knew, and by the end of the film, you will feel like you do. 20th Century Women is really about a temporary family. The people who help shape you but do not necessarily stick around for long. Annette Bening portrays Dorothea Fields, a 55-year-old mother to teenager Jamie, played by Lucas Jade Zumann. Dorothea fears that as a single mother, she isn’t enough for him. Therefore, she takes it upon herself to recruit two young women to act as guides through this transitional phase. They are an artist in her 20s who is also Dorothea´s tenet, Abbie played by Greta Gerwig, and Jamie´s not so platonic childhood friend Julie played by Ellen Fanning. Billy Crudup also stars and portrays the other tenet William, a kind hippie and one modern-day ideal of masculinity. This makeshift family takes Jamie under their collective wing, with varying degrees of success. Though they are all in the midst of their own transition.

The cinematography by Sean Porter captures this fragile phase that has long passed. You´ll want to frame and hang up many of the film´s shots. He subtly zooms in or out of particular characters in the middle of a scene. So different scenes echo and act as narrative foils to each other. The movie feels like a memory. Bittersweet, as it brings joy and a pinch to the heart as we know this rite of passage will quickly fade. Alice Sanna is the film´s editor and succeeds in creating a sense of memory throughout; this is particularly evident in all of the film´s pivotal montages. The score and soundtrack both ground and elevate the film. It is at its core, a personal story yet rooted in its unique time and space. Roger Neil composes. He and Mike Mills have worked together before, most notably in Mills´ second feature, Beginners(2010). Both are Californians of the same age, but the score is not necessarily nostalgic. There is a certain tension between the soundtrack and the score. One example is a scene where Dorothea is alone at a punk club. She is surrounded by party-goers. Their punk music is drowned out by dream-like synth music. Moments like this, anecdotes, are woven together to create that ache in the heart, a melancholic high. One you can float in, much as Jamie does on his skateboard.

I deeply appreciate how the women in this film (though all white and privileged) are not monolithic. They have their own perspective. Ain’t that a crazy thing? Fully formed three-dimensional imperfect female characters! What a concept! There is friction when the women´s ideals do not match up, followed by discussion. This tension between generations is deeply felt. Dorothea is, by all accounts, a feminist hero. She is a maverick. Growing up in “The Depression”, she dreamed of being a pilot. She later became a professional woman in the 50s who attended flight school only for the war to end before she had time to realize her dream. However, she can’t help feel guilt over her independence, over what it means for her son. We see her reject Abbie’s more modern thoughts, not for her own sake but for her son´s; though he fully adopts them. Dorothea is a warm and loving mother, yet she remains a mystery to her son. Never willing to become vulnerable in his eyes. Except for the exact moment of liminality; you´ll know it when you see it.

The feminist literature explored, like The Politics of Orgasm by Susan Lydon may seem normal or largely acceptable in certain circles today. So it’s easy to get comfortable with the idea of how far we´ve come, but if we look at our current political climate, it’s evident we haven’t come that far after all. This is encapsulated in a scene where the characters watch the infamous “Crisis of Confidence” speech by president Jimmy Carter, where he pleaded with the American people to make a necessary change. The last chance for the US to take a sharp turn before the energy crisis became what we know it to be, a chance to turn away from fear, greed, and the false sense of freedom that leads some down. A chance to challenge the special interests in the political sphere, and our mindless consumerism. I highly recommend watching this 2016 film set in 1979 for its artistic merit but also to learn from the not so different yet long gone promise of 1979. Who knows, maybe in 2020 we can finally make that sharp turn the right way round.

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